Annabelle Agnew

Les premières oeuvres d'Annabelle Agnew disponibles à Hampton était une série de photos titré “Still Life,” prise pendant les lockdowns du début de l'année 2020. Celle qui était encadrée sur les murs pendant un moment laissait quelques personnes perplexes : "Ça doit être une peinture." La réponse ("Non ! C'est une photographie") incitait toujours les spectateurs à s'approcher d'un grand pas, les yeux plissés, puis à reculer de quelques pas, les sourcils levés. Les “natures mortes” d'Annabelle ont une telle qualité d'harmonie, tant dans leur composition que dans la tonalité des couleurs, qu'il était difficile de croire qu'il s'agissait de photographies d’objets placés et non de scènes imaginées, peintes à la main. Annabelle a en fait créé cette série comme une étude visuelle et un journal intime, en réponse à la pandémie mondiale et les périodes d’isolement. La signification symbolique des objets de chaque assemblage fonctionne comme une métaphore visuelle des complexités émotionnelles vécues pendant cette période. Les images ne sont pas seulement belles, elles ont aussi de la profondeur : elles ont la même intensité sémantique qu'une nature morte de l'histoire de l'art traditionnelle, dans laquelle une collection soigneusement sélectionnée d'objets symboliquement significatifs communique entre eux et avec le spectateur pour créer une conversation visuelle importante.

Annabelle travaille dans une variété de genres photographiques. Sa sélection d’oeuvres actuellement disponible à Hampton est sa série Sky Moments, ou “Moments de Ciel.” Qu'elles soient accrochées directement au mur comme des posters de beaux-arts ou encadrées professionnellement, ces images rehaussent l'expérience de n'importe quelle espace, car elles introduisent une énergie autant organique qu’artistique. Annabelle a eu la gentillesse de répondre à quelques questions* sur la série ainsi que sur sa pratique artistique plus générale. Vous pouvez en découvrir davantage sur le site web de Hampton ou sur son instagram personnel.

 

1. Qu'est-ce qui a inspiré votre série "Sky Moments" ?

J'ai la chance de passer une partie de mes étés sur la côte irlandaise avec la famille de mon mari (enfin, avant la pandémie, ça nous manque tellement !). Quand je suis là-bas, je fais de longues promenades le long des falaises qui sont sur l'Atlantique et le ciel est rempli de ces gigantesques nuages. C'est venteux, sauvage, et le temps peut changer en un instant. 

Je me sens toujours si petite et cela me rassure et me rappelle mon insignifiance. Cela peut paraître étrange, mais ce sentiment atténue mon anxiété parfois débilitante et je ne m'inquiète pas pour les petites choses lorsque je suis consciente de la grandeur du monde. Sky Moments est le reflet de cette réalité omniprésente, changeante et finalement réconfortante. 

 

2. Nous avons remarqué que vous avez une approche très artistique à la photographie de mariage, pouvez-vous nous en dire plus ? 

Lorsque je faisais mon baccalauréat en photographie au début des années 80, la photographie de mariage n'était pas considérée comme artistique, mais cela a vraiment changé au cours de la dernière décennie. J'aime prendre des photos de mariage qui ont un sens de l'intemporalité (pourrait-on être en 1941 ou en 2021 ?), qui ont un aspect pictural, composées avec une sensibilité à la lumière, et qui sont évocatrices du moment (une qualité moins posée). Souvent, les photos "imparfaites" racontent la meilleure histoire et je veux qu'un couple reçoive ses photos de mariage et ait l'impression que les sentiments de leurs célébrations tout au long de la journée ont été capturés. En plus de cela, ils sont fiers de les avoir encadrées et accrochées à leurs murs comme des œuvres d'art. 

Il y a tellement de choses sur les médias sociaux qui sont identiques et très posées ; les couples qui me trouvent recherchent quelque chose de différent, où ils obtiennent des photos qui sont une extension de leur histoire, et non un tableau Pinterest élaboré par une liste de photos exécutée par le photographe. J'adore photographier les mariages, c'est l'un des seuls endroits où l'on peut faire tous les types de photographie en une journée et de manière si intéressante. 

3. Qu'est-ce qui a guidé la composition de la série de natures mortes ?

La série des natures mortes était un défi lancé sur les médias sociaux par l'artiste Jamie Beck pendant le premier verrouillage de la pandémie (en mars 2020). Ma mère est peintre et avant de commencer à prendre des photos, j'étais dans l'illustration et je dessinais beaucoup. Ce que j'aime dans la nature morte, ce n'est pas seulement l'étude technique, mais aussi l'arc narratif. Utiliser des objets pour raconter une histoire sur mes sentiments à ce moment-là et sur notre situation historique était donc thérapeutique. J'aime voir comment l'histoire se déroule au cours de cette série. 

4. Qui ou quoi vous a donné envie de devenir photographe ? 

Comme je l'ai dit plus haut, ma mère est peintre et mon beau-père est concepteur d'éclairages architecturaux et théâtraux. Leur influence est donc évidente, mais pas pour moi - haha !

J'ai toujours aimé ce que la photographie m'a apporté, à savoir un sens des racines (je n'en ai pas beaucoup ici au Canada). J'ai adopté le rôle de photographe de famille, mais ce n'est qu'au milieu de la vingtaine que je me suis retrouvée dans une chambre noire, et c'est là que j'ai su que c'était là que je devais être.

J'aime beaucoup d'artistes, mais ceux que je consulte fréquemment pour trouver de l'inspiration photographique sont Erik Madigan Heck, Annie Liebovitz, Mark Seliger, Peter Lindbergh, Tina Barney, Roger Deacon, Joel et Justyna, Samm Blake, John Dolan, Cinzia Bruschini, Sarah Falugo et Jamie Beck.

5. Quelle a été votre expérience lors de la prise de vue de votre série de natures mortes, après avoir été photographe de mariage ? Qu'est-ce que vous aimez dans chaque style ?

Je pense que ma formation est davantage axée sur la photographie d'art (et non sur les mariages), qui consiste à raconter une histoire en utilisant différentes techniques et équipements. Par exemple, l'un de mes projets préférés à l'école était une série d'intérieurs d'armoires à pharmacie photographiés avec un appareil photo grand format. Ces intérieurs faisaient office de portrait d'une personne et comptaient sur le jugement du spectateur pour créer une histoire de cette personne avec ces objets. 

Pour répondre à votre question, utiliser des objets de ma vie qui représentent mon histoire dans la série des natures mortes était un défi intéressant, car j'avais la possibilité de ralentir. C'est tellement différent par rapport au rythme rapide inhérent aux mariages. Sur le plan technique, j'ai été surpris de constater à quel point le mouvement d'une feuille ou d'un pétale de fleur, l'ajout ou la soustraction d'un objet, l'ajout de gouttes d'eau, etc. pouvaient tout changer d'une image à l'autre jusqu'à ce que j'obtienne la représentation qui me semblait la plus fidèle. 

Je recommande à tous les photographes de s'exercer à la nature morte, cela vous rend plus fort dans la composition en général !

*Ces réponses ont étés traduites de l’anglais. Voir ci-dessous pour les originaux.

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The first of Annabelle Agnew’s prints we had available at Hampton were a selection of still-life photographs taken throughout the early 2020 lockdowns. We had one framed on the walls for a while that perplexed a few people: “This has to be a painting.” The response (“Nope! That’s a photograph.”) always made viewers take a big step closer, eyes squinting, and then a few big steps back, eyebrows raised. Annabelle’s still life images have such a profoundly harmonious quality to them, in composition and colour tone alike, that it was hard for anyone to believe that they were staged still-life photographs and not imagined, hand-painted scenes. She actually created the series as a one part visual study, one part diary, in response to the global pandemic and the onset of isolation. The symbolic significance of the items within each assemblage works as a visual metaphor for the emotional complexities experienced during this time. Not only are the images beautiful, they have depth: they carry the same semantic weight as a still life from traditional art history, wherein a carefully selected collection of symbolically significant objects communicate with each other and with the viewer to create intricate meaning.

Annabelle doesn’t only specialize in still life, but works in a variety of photographic genres. Her current available print selection at Hampton is her Sky Moments series, a collection of awe-inspiring sky-scapes. Whether hung as fine art posters or professionally framed, the images would elevate the experience of any room, as they introduce an organic but artful energy into the space. Annabelle was kind enough to answer a few questions about the series as well as her more general artistic practice. You can find more of her here on the Hampton website, or on her personal instagram.

 

1. What inspired your "Sky Moments" series?

I am lucky to spend a portion of my summers on the coast of Ireland with my husband's family (well, pre-pandemic, we miss it so much!). When I am there I go for long walks along the cliffs that are on the Atlantic and the sky is filled with these gigantic clouds. It's windy, wild, and the weather can change in an instant.

I always feel so small and that, to me, is a reassurance and reminder of my insignificance. Maybe that sounds odd, but feeling that way lessens my sometimes-debilitating anxiety and I don't "sweat the small stuff" when I am grounded by how big the world is. Sky Moments is a reflection of this -- how it's omnipresent, everchanging, and ultimately a comfort.

2. We noticed you take a very artistic approach to wedding photography, can you tell us more about that?

When I was doing my BFA in Photography back in the early aughts, wedding photography was not considered artistic, but that has really changed over the last decade. I love taking wedding photographs that have a sense of timelessness (could it by 1941 or 2021?), have a painterly feeling, composed with a sensibility around light, and are evocative of the moment (a less posed quality). Often "imperfect" photographs tell the better story and I want a couple to get their wedding photographs and feel like the feelings of their celebrations throughout the day were captured. Not only that, but they are proud to have these framed and up on their walls as works of Art.

There's so much out there on social media that feels same same same and very posed; the couples that find me are looking for something different, where they get photographs that feel like an extension of their story, not a Pinterest Board curated by a shotlist executed by the Photographer. I love photographing weddings, they're one of the only places where you get to do all types of photography in one day in such an interesting way.

3. What guided the composition of the still life series?

The Still Life series was a social media challenge prompted by artist Jamie Beck during the first lockdown of the pandemic (in March 2020). My mother is a painter and before I started taking photographs, I was in illustration and drew a lot. What I love about still life is not only is it technical study, but it holds a narrative arc too. So using objects to tell a story about my feelings at that time and where we were historically was therapeutic. I love seeing how the story unfolds over that series. 

4. What or who inspired you to become a photographer?
As mentioned above, my mother is a painter and my step-father is an architectural and theatrical lighting designer, so their influence is obvious but it wasn't as obvious to me - haha!

I have always loved what Photography has given me, which is a sense of roots (I don't have a lot here in Canada). I adopted the role of family photographer but it wasn't until my mid-20s that I found myself in a darkroom which is when I knew that this was where I was meant to be.

I love a lot of artists but those that I go to frequently for photographic inspiration are Erik Madigan Heck; Annie Liebovitz; Mark Seliger; Peter Lindbergh; Tina Barney; Roger Deacon; Joel & Justyna; Samm Blake; John Dolan; Cinzia Bruschini; Sarah Falugo; & Jamie Beck

5. What was your experience shooting your still life series, coming from a background in wedding photography? What do you love from each style? (solo still life vs. wedding)

I think my background is more art photography (not weddings) which was grounded in telling a story using different techniques & gear. For instance, one of my favorite projects in school was a series of medicine cabinet interiors shot with a large format film camera. Those interiors were acting as a portrait of a person and banked on the viewer's judgement to create a story of that person with those objects.

So to answer your question: using objects in my life that represented my story in the still life series was an interesting challenge because I had the ability to slow down. So different in comparison to the fast pace inherent to weddings. It was surprising to me technically just how the movement of a leaf, or a flower petal, an addition or subtraction of an object, adding water drops and so forth could absolutely change everything from frame to frame until I got the representation I felt to be most accurate.

I recommend practicing still life to any photographer, it makes you stronger in composition overall!

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